Reseña de Fonalleda Overdrive, cortometraje vía AIMBOT

El logo de Plaza...¿a dónde lleva el QR Code?

Hágase el favor de ver esto antes de leer la reseña:
  


Hace poco vi una entrevista al poeta puertorriqueño, Guillermo Rebollo-Gil. En el vídeo de aproximadamente 36 minutos, Manuel Almeida, autor y teórico puertorriqueño, conversaba con el poeta sobre su más reciente libro, Los Actos Gratuitos. Rebollo-Gil decía (& parafraseo) que para él escribir es como la lucha libre: uno tiene dos o tres trucos y se usan en varias combinaciones, esperando un resultado: la espalda del oponente en la lona. Guillermo no argumenta que el limitado número de trucos sea algo malo. Estas llaves, special moves, signature moves -- que en el creador son la trama, la idea, los conceptos, los temas -- señalan una intención; son el signo del estilo. Con estos moves te haces reconocible; re-conocen tus guiños; se encariñan contigo. Estos trucos son el toolkit de memes itinerantes & recursivos, como la doble hélice del ADN; kipple que emerge de lo que nos sobra. Y es que zozobramos en un vasto océano de data.

Las llaves de AIMBOT prometen agarrar el zeitgeist por los cuernos. Y Fonalleda Overdrive es un buen ejemplo de ello. Si le siguen la pista a su trayectoria, notarán que la página -- una figura clave en ella es Alejandro González Marín, "[S]e mudó a Chicago luego de que pasó María" [1] -- es un artefacto cultural importante:

In internet culture, an Aimbot is a type of computer game bot that will auto-aim and shoot an enemy for a player in first-person shooter games. Their use in online gaming is considered as cheating by most players. The aimbot meme persona, on the other hand, creates the kind of layered, satirical video art that Puerto Rico has been thirsting/yearning for decades. Self-described as an independent production house based out of San Juan, Puerto Rico, this visual arts Facebook page is much more than that. With approximately 5,500 followers (hoy, 11 de mayo de 2017, tiene más de 7,000) aimbot samples and manipulates the visual aesthetic of national television stations, gaming platforms, movies of yesteryear with references to fragmented pieces of pop culture, and all other memes under the sun. aimbot’s visual prowess and humor is striking in for example, a June 6, 2017 video post titled: BBC Documentary of the Search for Douglas Rolón at the ancient ruins of the University of Puerto Rico Rio Piedras Campus. The video, riffs on the BBC’s officiousness, the documentary style of Werner Herzog, Ruggero Deodato’s Cannibal Holocaust, and the internal politics of the University of Puerto Rico—the largest public university—during the 2017 student’s strike, which lasted 69 days, in under 5 minutes. [2] 

Si hay alguna llave discursiva que maneja la crisis -- local, global, analítica y continental -- es el comentario sobre la ansiedad. En Fonalleda Overdrive, esto se logra con imágenes que critican la noción de que el consumo sea una panacea. Consumir por consumir para seguir consumiendo. Todo el mundo lo entiende; todos sabemos que compramos más de lo que necesitamos; todos participamos. Y es que la ansiedad de existir en la colonia -- de guiar en carreteras sin semáforos, de no ver luz al final del camino, de sentir el aliento del Antropoceno en el cuello -- deviene en el cómodo nihilismo de la compra y el consumo. 

El bag of tricks de AIMBOT -- y de un segmento considerable de artistas puertorriqueños --existe en los márgenes de la colonia e Internet. Y Puerto Rico está más marginado que nunca; perdió su truco de primer mundo con el primer viento de María en Yabucoa. Este márgen -- que por más veces que vayamos a Plaza nunca se va a borrar -- es el petri dish de mucho de lo que prolifera en la página, desarrollada "[D]urante el tiempo muerto después del huracán; [C]on la idea de publicar los cuentitos en un libro de historias cortas" [3].

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Hasta ahora -- y ocupando un segundo lugar después del ADN -- Internet es el más apto medio para la proliferación de memes: códigos viables que emergen de la sopa cultural. Muchas veces, estos códigos descifran problemas mejor que un párrafo...¿qué llave más viable que una crítica al consumo orgiástico -- we are vanity slaves! -- en medio de una vasta soledad, usando medios que facilitan la libre asociación y el remix? 

Esta libre asociación de imágenes -- y la carga cultural detrás de ellas -- ayudan a que el Ep. 17 sea chistoso; su narrador me suena a una especie de Don Cholito mezclado con Kurt Vonnegut. Sin embargo, es evidente que el humor -- la referencia a mojonear un rato por Plaza, por ejemplo -- no tapa el horror. Afortunadamente, uno de los trucos que usa Possible Worlds es la filosofía [4]; herramienta indispensable para pensar en medio del absurdo. Por tanto, no sorprende que las piezas vayan más allá de chistes y vacilón. Y es que lo que acontece no es poca cosa. Le toca a la generación de AIMBOT recoger el mierdero; tienen que sacar el plástico de los océanos; meterle mano al legado. La obra de AIMBOT brega con este detrito heredado a través del código y del hazlo tú mismo: "No sé qué exactamente me llevó a aprender como usar Blender para animar; pero los episodios 5 o 6 en adelante son armados con Blender. Lo prefiero mil veces a grabar videos. No es difícil pero si es dificil hacerlo y coger una clase de Prof. Etienne Helmer y no sacar D" [5].

Al toolkit de la página hay que añadirle la ciencia ficción: "Si detectas en algun video algo que llamarías "high concept sci fi", se lo debo casi todo a Greg Egan, J. G. Ballard y Stanislaw Lem, [6]". High concept porque las tramas de estos autores brillan por su presencia en la actualidad. Problemas como el acceso a la información y a los bienes, desastres ecológicos y económicos, xenofobia, simulacros, entre otros, requieren trucos de la filosofía, el humor y la cifi.

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AIMBOT aborda nuestro absurdo desde el centro de todo; en el hato que siempre ha sido del rey, cuya voz reverbera en La Milla de Oro, en Wall Street y en Washington.   

La crisis tiene héroes y villanos; oportunistas y oprimidos; tiene presiones y opresores. Desde los tronos y los bancos -- con metal, pólvora y pluma -- se comieron el planeta. En el Ep. 17 de Possible Worlds, Fonalledas es Salcedo.

Vía Blender, mojoneo y DIY, AIMBOT hizo un mundo con imperios y catástrofes; cuento más viejo que este, difícil encontrarlo. 

Vía filosofía, meteorología y colonia, tenemos en el panteón boricua la terrible pesadilla de las panas -- virales y atávicas. 

La Plaza de AIMBOT tiene tiendas absurdas; templos de la esmayaera colectiva, vomitada en la ensoñación consensual del consumo -- los fetiches son perennes.

Infinitas opciones, muchas más de las que necesitamos. Con ágiles algoritmos simulamos avatares e indignaciones...

El Hato Rey de AIMBOT es un hato de distopía y pesadilla; de soledad y absurdo: Puertorricanos consumidos en la noción de que son cosa, data cuantificable a la merced de la pesadilla de un Fonalledas. ¿Esto dista mucho de la actualidad? La pregunta sería materia para otro ensayo, otra colección de llaves marginales y problemáticas. Por ahora, esperemos que AIMBOT y otros artistas puertorriqueños sigan escupiendo simulacros; que sus trucos persistan a pesar del marasmo. 

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[1] Palabras de AIMBOT
[2] "La Bola de Cristal": Puerto Rican Meme Production in Times of Austerity and Crisis, 
Caroline Gil-Rodríguez. Las negritas y los paréntesis son míos. 
[3] Palabras de AIMBOT. 
[4] "[E]estudio filosofía, soy estudiante mediocre de filosofía", Palabras de AIMBOT. 
Un dickhead diría que es un garage philosopher. 
[5] Palabras de AIMBOT
[6] ídem.

Polímeros, palíndromos & memorias: revisitando Gattaca

Gattaca (Niccol, 1997)

[N]o solamente se trata de vencer en el laboratorio, también se vence cuando seguimos reiterando el "pa' lante; pa'tras, ni pa coger impulso" ("Never left anything for the journey back", palabras del héroe de Niccol, Vincent, ‘El Vencedor’). Y es que de esto se trata Gattaca (Todavía sabe a Jazz. Suena a Titán. Huele a ahora, 2017). La película de Niccol merece revisita. Ya desobedecimos a La Madre; le perdimos el respeto a la cautela judeocristiana. Ahora es más fácil trepar hasta elevar la mancha de plátano. Los fenotipos arios están al alcance de micropipetas. La voz de Amaterasu reverbera en tubos de ensayo. Antes —hasta hace bien poco— se editaba con tijeras bioquímicas; ahora editamos con CRISPR/Cas9 (Clustered Regularly Interspaced Short Palindromic Repeats). Ahora es más fácil tejer a los súper atletas de Augusto Sánchez: los bebés blancos los damos en adopción y con los bebés negros hacemos una fábrica de atletas... Para continuar leyendo en Revista Cruce, haga click aquí

Una reseña de la intro de Westworld (HBO, 2016)

Aquí

“El maniquí que pasaba el día en la mercería y todas las noches 

era asesinado en la mansarda de un hampón en el mismo edificio, 

hurtado sigilosamente para ejercicios de asesinato 

y devuelto cada vez, cobró vida de tanto morir.” 

—Macedonio Fernández

Westworld (2016) está basada en Westworld (1973), dirigida por Michael Crichton, autor de Jurassic Park. Antes de replicar códigos saurios, Crichton hizo androides perfectos, a finales del siglo XIX. En la primera versión de Westworld sale Yul Brynner parodiando a Indio Black. De hecho, Arnold es fan de Brynner; T800 también le debe Westworld (1973). Vi la película de Crichton hace un par de semanas, y todavía conserva lustre... 

Para leer el resto de la reseña en Revista Cruce, favor hacer click aquí. 

Baraka (Fricke, 1992)

Shāh Chérāgh (شاه چراغ‎), monumento funerario en Shiraz, Irán.

La vi anoche & esta mañana escuché su OST; Ron Fricke, director, también fue el cinematógrafo de Koyaanisqatsi. Barakah es continuidad con la esencia de todo, que emana de Dios---es un concepto de la  rama mística del islam. En la película salen todas las religiones abrahámicas, religiones africanas, buddhismo, hinduismo, entre otras. Samsara es la sequela de Baraka.

Roger Ebert dijo lo siguiente sobre la pieza de Fricke: "If man sends another Voyager to the stars and it can carry only one film aboard, that film might be Baraka."

microreview: Inherent Vice (Paul Thomas Anderson, 2014)

Los Angeles, the City in Cinema: Alien Nation & Blade Runner

Trailer

Descubrí estos vídeo ensayos aquí. Los Ángeles & el cine. 
En este post comparto dos de mis favoritos, Alien Nation & Blade Runner: 

El autor de estos vídeos, Colin Marshall, dice un montón de cosas interesantes sobre su ciudad; cómo se nutre de caos & dinamismo. El siguiente pasaje lo tomé de uno de sus artículos en The Guardian:

In drawing up our blueprint for a new metropolis, what can we learn about its layout from sprawling, stateless Los Angeles – whose grotesque size and dizzying variety of form surely repudiate the very notion of an ideal city? As soon as you think you've identified how it looks, how it acts, the condition to which it aspires, or even which nation or culture it belongs to, the opposite conclusion inevitably rushes up to confront you mere minutes down the road.

 A continuación el de Blade Runner; le quedó por encima:

Trailer

Black Mirror (Ep. 2, '15 Million Merits', 2011)

Jeva

Acabo de ver el segundo episodio de la serie Black Mirror. El primero me voló la cabeza -- no me sorprende si incomodó a muchos. 15 Million Merits es el título del segundo episodio; & aquí lo pongo completo. Recomiendo la serie, solamente por lo que he visto hasta ahora. Estoy seguro de que encontraré otro igual o superior a éste; pero en 15 Million Merits hay música. 

También hay de lo que hay en Wall-E, Her, Brazil, Kafka, Facebook.
15 Million Merits es una bella sátira. 

Permanent Vacation (Jarmusch, 1980)

Permanent Vacation (1980)*:

La vi hoy. Lo más que me llamó la atención fue la música, vía John Lurie & el mismo Jarmusch. Lurie hizo un álbum hace poco, The Legendary Marvin Pontiac — Greatest Hits. Lo compré**:

La película es interesante; me hizo comprar Les Chants de Maldoror: 

"God grant that the reader, emboldened and having become at present as fierce as what he is reading, find, without loss of bearings, his way, his wild and treacherous passage through the desolate swamps of these sombre, poison-soaked pages; for, unless he should bring to his reading a rigorous logic and a sustained mental effort at least as strong as his distrust, the lethal fumes of this book shall dissolve his soul as water does sugar" (Isidore Lucien Ducasse, 1868-'69). 

En esta película el héroe--narcisista con cojones, se llama Aloysius Parker; le pondrá a su hijo Charles para que se llame Charles Parker--conserva a su mamá en un sanatorio.
 
Permanent Vacation es bella & terrible:

NYC es casi post-apocalíptico;
pero hay poesía, detrito, 
música & la vida vivida de un bum.

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Notas:
*Se estrimea en Hulu. Pagué por verla.  Me di cuenta tarde de que estaba en Youtube (por ahora).
**Recomiendo el álbum. iTunes lo tiene. Lurie le mete. 

El Evangelio según PKD (Dickhead III)

He leído unas pocas de sus novelas; algunos de los cuentos los escucho vía Internet Archive; llevo casi dos años leyendo su exégesis; su evangelio lleva más de 30 años en el cine. 

La siguiente lista--con 7 artworks--la hizo él*. Son siete novelas; se refiere a ellas como** 

"[T]he summation of my Kerygma, 

spread throughout my works":

"Occlusion of our minds, without our being aware of it;

loss (forgetfulness) of true identity"

"What our world is really like always like which the occlusion

is deliberately there to keep us from seeing"

"Who/what deliberately occludes us: the Yaltabaoth Magician 

evil deity, spinner of spurious worlds, creator of illusion and 

inhabiting, contaminating (unclean) presence 

in these degraded pseudo worlds"

"The negative hallucination MO of the occlusion, and refe-

rence to Savior who extricates us from a hopeless

trap and pseudo world"

"The salivific entity pe se, by name and how its 

"Pansophiaistic" messages come through the trash 

layers to aid us. Past available within the present"

"A vital theme, that of Mercer and his reality 

through some sort of mystic identification

via empathy" 

"Alternate universes exist."

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*Más info sobre Dick, aquí, aquí & aquí.

**Lista tomada del Folder 19, septiembre-octubre del '78.

Páginas 403 -- 407 de la Exégesis de PKD. 

Love When You Say Love (Odilia Rivera Santos, Editorial Trance, 2014)

Editorial Trance*

'Conocí' a Odilia vía Internet; su iteración digital ha interactuando con la mía por 4 años.
La tengo de friend en Facebook y ella lee lo mío.

Soy puertorriqueño de la isla, ella es puertorriqueña continental, sin embargo, estas circunstancias--que no son más que eso, circunstancias--no han evitado un intercambio. No soy evangelista de los nuevos medios, pero, el siglo XXI promete una relación más saludable con la diáspora. Internet ha facilitado esto. Y esta reseña es producto de ello.

Recibí por e-Mail el poemario Love When You Say Love (Editorial Trance, 2014). Cuenta con 77 páginas. Hay haikus; versos libres; people watching; latientes slices of life; omphaloskepsis citadina; love; struggle--of the sisyphic kind; mnemonic interventions; oneiric tapestries...

En sus haikus está la saliva de un beso como signo de 'amor'; también está la quietud que pide pensar 'amor'. Odilia quiere agarrar 'amor' en el gesto tangible del beso, y parecería que se quiere dejar engañar con la noción de que se puede, pero es sabia.

Lo absurdo y lo bello en la poética de LWSL también está en versos libres. En Poem 149, la autora da cuenta del amor en función de la espera y el tiempo: "I’ve oft spoke of our love / and its myriad delays— / we arrive in a new port, / eyes open and searching."

Odilia le mete el pecho al amor; knowing that, at worst, it is a beckettian enterprise...
Efemérides pálidas en el mejor de los casos. She's brave: "I am—as you are—swept up in / love’s continuum to risk exposure / and loss and perhaps an orgiastic epiphany."

A veces Odilia habla del amor como quien se refiere a una sustancia, como un pre-socrático hablando de agua: "an inert substance" con partes iguales de sujeto y objeto. Amar es ser amor y amante, como la luz es partícula & onda. Love (idea, sujeto u objeto) en LWSL es lenguaje & lengua; beso & boca; río & agua.

De lo etéreo la poeta baja al cuerpo en Poem 130: "Tu lengua en mi boca me traba la lengua." El beso, nuevamente, como signo aprehensible de amor; pero aquí 'lengua' y 'lenguaje' le acompañan. Lengua: cosa del amor; lenguaje: gesto que enhebra 'amor'.

Cuando la autora no da cuenta del amor en sus versos, pinta con palabras; intercambia joyas por migajas de pan; antropomorfiza la imprenta, entre otros artificios. Poem 127 es el poema en cuestión: "...color and sound reached and surpassed / quotidian realms to compete with dreams." La pieza es una burbuja utópica hecha con la lengua (el lenguaje) de Odilia. La podemos habitar, solamente, si caemos dentro de esa rara y cada vez más escasa categoría: la del soñador lúcido.

La mirada al contexto contemporáneo también está LWSL, en Poem 122. Aquí leí un interés por dialécticas como 'auténtico/simulacro', 'trajín/denuedo', entre otras. Estas luchas son universales. Laten en la psiquis de todos, y la poesía las ha cantado por milenios. Dicho esto, 'Amor'--el amar de Odilia--es la panacea; la autora hace del amor un conjuro: "Love is in fact an essence lacking in pretension, / with its own art and joy palpable in its rhythm."

Hablar 'amor' es c[o/a]ntar la épica de Sísifo. Amar cuando se dice amor puede ser efímero, "como niebla quemándose con la aurora" (parafraseo a Bukowski); pero Odilia escribió un libro de poesía con la palabra 'amor' en su título. Si con algo me quedo después de leer LWSL, es con la idea de que vale la pena la gesta sisífica; cantar, hablar y leer odas kafkianas al amor.

*Información, contactos, compras: aquí.

Parallel Worlds, Parallel Lives (2007)

Cover de Hombre Lobo: 12 Songs of Desire

Estoy leyendo El fondo del cielo (Fresán, 2009). En la página 187 encontré estas líneas:

"Una mujer que murió de cáncer, una hija suicida que dejó una nota explicando que iba a encontrarse conmigo en otra dimensión, y un hijo que se especializó en componer canciones hermosas y deprimentes: letras tan tristes y melodías con esa falsa y mecánica alegría de las cajitas de música. Un hijo que encontró mi cuerpo tirado en el suelo de la cocina y, al intentar resucitarlo, traerme de vuelta, me abrazó por primera vez; porque yo jamás había permitido que me abrazara ni lo había abrazado nunca."

Para el año 2009 descubrí EELS, una banda americana de indie rock, fundada por Mark Oliver Everett. Me tropecé con E, a.k.a. Mark Oliver Everett, vía el álbum Blinking Lights and Other Revelations. El álbum tiene letras honestas, buena música y tragedias que Fresán tramó en su genial novela: el suicidio de Elizabeth, hermana de Mark, la muerte de su madre, a causa del cáncer, y la muerte de su padre, Hugh Everett; autor de lo que se conoce en la mecánica cuántica como Many-worlds interpretation. La tesis--titulada ""Relative State" Formulation of Quantum Mechanics"--de esta interpretación (que no pocos elevan al rango de teoría) fue presentada en la universidad de Princeton para el año 1957. El siguiente texto es un fragmento de la introducción del trabajo:

"The task of quantizing general relativity raises serious questions about the meaning of the present formulation and interpretation of quantum mechanics when applied to so fundamental a structure as the space-time geometry itself. This paper seeks to clarify the formulations of quantum mechanics. It presents a reformulation of quantum theory in a form believed suitable for application to general relativity. The aim is not to deny or contradict the conventional formulation of quantum theory, which has demonstrated its usefulness in an overwhelming variety of problems, but rather to supply a new, more general and complete formulation, from which the conventional interpretation can be deduced. The relationship of this new formulation to the older formulation is therefore that of a metatheory to a theory, that is, it is an underlying theory in which the nature and consistency, as well as the realm of applicability, of the older theory can be investigated and clarified."

En otras palabras--palabras simplonas y que no sugieren otra cosa que una burda simplificación--, el gato de Erwin Schrödinger no tiene que morir... Bueno, quizás muere, pero también vive. En fin, la teoría (MWI) ha inspirado mucha ciencia ficción buena y no tan buena--como el caso de The One (Wong, 2001).

A continuación comparto un documental de una hora aproximada de duración, dividido en 4 partes, que trata de hacer sentido de Everett y su controversial interpretación (o teoría); todo ésto mientras Mark Everett descubre y conoce a un padre que abrazó una sola vez en su vida. Lamentablemente, el abrazo se dio cuando Mark tenía 18 años y descubrió a su padre muerto.

Soy un Dickhead, #YQCP.

Michael Gondry quiere adaptarla. Vamos a ver cómo le va.

Mi experiencia con Dick —Phillip Kindred Dick— es como la de cualquier persona que haya nacido en la década de los ochenta: es, mayormente, cinematográfica. Yo tenía ocho años la primera vez que vi Blade Runner (Scott, 1982), no más de 12 cuando vi Total Recall (Verhoeven, 1990); en la primera década de este siglo vi Minority Report (Spielberg, 2002) y A Scanner Darkly (Linklater, 2006); The Adjustment Bureau (Nolfi, 2011) es el primer Dickian film de la segunda década de este nuevo milenio… también la vi. En otras palabras, es bien difícil que un cinéfilo, aun sin saberlo, no haya cruzado caminos con este gigante (y soy cinéfilo antes que bibliófilo). [Para seguir leyendo el artículo en Cruce, haga click aquí.]

The Questor Tapes (Colla, 1974)

"Within the universe there exist fierce cold things, which I have given the name "machines" to. Their behavior frightens me, especially if it imitates human behavior so well that I get the uncomfortable sense that these things are trying to pass themselves off as humans but are not. I call them "androids," which is my own way of using that word. By "android" I do not mean a sincere attempt to create in the laboratory a human being (as we saw in the excellent TV film The Questor Tapes)."

Así leen las primeras oraciones de un ensayo de PKD titulado Man, Android, and Machine (1975). "[A]s we saw in the excellent TV film The Questor Tapes" me obligó a buscarla por Youtube--hay que hacerle caso a una recomendación de Dick. Gene Roddenbery (creador de Star Trek) y Gene L. Coon escribieron el teleplay; de hecho, Questor, el androide, interpretado por Robert Foxworth, puede ser considerado el papá de Data. No me encantó la película; envejeció muchísimo. Pero sí fue interesante verla; tiene sus encantos setentosos. La comparto:

Reseña: El Recreo de Ana María

Te muerdo y te conmuevo.

El trabajo de Ana María lo descubrí vía Wanted, exhibición del pasado mes de abril en la Galería Obra Alegría del Viejo San Juan; el mismo espacio que expuso El Recreo el pasado mes de junio. Ana María y sus bestias han cobrado un merecido protagonismo en el hipsterdom boricua. Yemayá, C787Studios, entre otros espacios, han dado a conocer sus obras a un público joven, burgués a regañadientes y de sensibilidades artísticas ... un grupo para quien está destinada una nueva unidad del Sistema Internacional de Medidas (SI): «el instagram» (Mientras escribo esto, tengo puesta una camisa blanca, su gráfico es una antigua portada de la Lolita de Nabokov ... soy un hipster). [Para continuar leyendo en Pernicious Press, favor hacer click aquí.]

Reseña | Slaughterhouse-Five (Hill, 1972)

Afiche vía Ecranlarge.com

[Hacer un peregrinaje hasta la más alta montaña; 
llegar a Tralfamadore y a las tetas de Montana Wildhack…] 

El tale of woe de Kurt Vonnegut está cabrón*. Dan cuenta de ello: un chrono-synclastic infundibulum, el material Ice-9 y religiones como The Church Of God The Utterly Indifferent y el Bokonism. Razones demás hay para leerle; pero confieso que no he leído Slaughterhouse-Five, or The Children’s Crusade: A Duty-Dance with Death (1969). La que leí fue The Sirens of Titan (1959), por tanto, esto es una reseña cinéfila que aspira a ser bibliófila. [Para continuar leyendo la reseña en Puerto Rico Indie, favor hacer click aquí.]

Instituto de Subcultura Puertorriqueña: Un recorrido por el lado bélico de la creatividad.

Artefacto de Acción Chrysanthemum

Supe que llegué a C787 Studios cuando vi una ejkei, patinada por un pie mecánico. Cyborg shit. No fue la última ejkei de la noche… Vi más bicicletas que en el parque LMM; una muchaha me flachió sus panties – tenían un fucking conejito dibujado. C787 Studios–ese recoveco que es más Hoare que Cerra–fue el venue. Había un chorro de títeres. También vi a Teófilo, tempranito. La exhibición estaba compuesta por varios artistas–Ana María, Ibarra, Gómez, Bousquet, Velázquez, Charrón, La Ele–; éstos curados muy bien. Las piezas hablaron entre sí, mejor de lo que hubiesen hablado políticos puertorriqueños; pues no divagaron, no perdieron el hilado belicoso. Tampoco ignoraron el contexto – determinado por el problemático concepto de “subcultura”. [Para seguir leyendo la reseña de la exhibición en Pernicious Press, favor hacer click aquí.]

Phillip K. Dick: Sci-Fi Philosopher (I, II, III)

Cuelgo un ensayo de tres partes por Simon Critchley, publicado en The New York Times (en la sección The Stone). El autor comenta sobre The Exegesis of Phillip K. Dick - un delirante libro de más de 800 páginas. Confieso que soy un Dickhead: 

The Religious Experience of Philip K. Dick (Robert Crumb)

Part 1: Meditations on a Radiant Fish 

When I believe, I am crazy. 

When I don’t believe, 

I suffer psychotic depression. 

— Philip K. Dick

Philip K. Dick is arguably the most influential writer of science fiction in the past half century. In his short and meteoric career, he wrote 121 short stories and 45 novels. His work was successful during his lifetime but has grown exponentially in influence since his death in 1982. Dick’s work will probably be best known through the dizzyingly successful Hollywood adaptations of his work, in movies like “Blade Runner” (based on “Do Androids Dream of Electric Sheep?”), “Total Recall,” “Minority Report,” “A Scanner Darkly” and, most recently, “The Adjustment Bureau.” Yet few people might consider Dick a thinker. This would be a mistake. Dick’s life has long passed into legend, peppered with florid tales of madness and intoxication. There are some who consider such legend something of a diversion from the character of Dick’s literary brilliance. Jonathan Lethem writes — rightly in my view — “Dick wasn’t a legend and he wasn’t mad. He lived among us and was a genius.” Yet Dick’s life continues to obtrude massively into any assessment of his work.

Everything turns here on an event that “Dickheads” refer to with the shorthand “the golden fish.” On Feb. 20, 1974, Dick was hit with the force of an extraordinary revelation after a visit to the dentist for an impacted wisdom tooth for which he had received a dose of sodium pentothal. A young woman delivered a bottle of Darvon tablets to his apartment in Fullerton, Calif. She was wearing a necklace with the pendant of a golden fish, an ancient Christian symbol that had been adopted by the Jesus counterculture movement of the late 1960s.

The fish pendant, on Dick’s account, began to emit a golden ray of light, and Dick suddenly experienced what he called, with a nod to Plato, anamnesis: the recollection or total recall of the entire sum of knowledge. Dick claimed to have access to what philosophers call the faculty of “intellectual intuition”: the direct perception by the mind of a metaphysical reality behind screens of appearance. Many philosophers since Kant have insisted that such intellectual intuition is available only to human beings in the guise of fraudulent obscurantism, usually as religious or mystical experience, like Emmanuel Swedenborg’s visions of the angelic multitude. This is what Kant called, in a lovely German word, “die Schwärmerei,” a kind of swarming enthusiasm, where the self is literally en-thused with the God, o theos. Brusquely sweeping aside the careful limitations and strictures that Kant placed on the different domains of pure and practical reason, the phenomenal and the noumenal, Dick claimed direct intuition of the ultimate nature of what he called “true reality.”

Yet the golden fish episode was just the beginning. In the following days and weeks, Dick experienced and indeed enjoyed a couple of nightlong psychedelic visions with phantasmagoric visual light shows. These hypnagogic episodes continued off and on, together with hearing voices and prophetic dreams, until his death eight years later at age 53. Many very weird things happened — too many to list here — including a clay pot that Dick called “Ho On” or “Oh Ho,” which spoke to him about various deep spiritual issues in a brash and irritable voice.

Now, was this just bad acid or good sodium pentothal? Was Dick seriously bonkers? Was he psychotic? Was he schizophrenic? (He writes, “The schizophrenic is a leap ahead that failed.”) Were the visions simply the effect of a series of brain seizures that some call T.L.E. — temporal lobe epilepsy? Could we now explain and explain away Dick’s revelatory experience by some better neuroscientific story about the brain? Perhaps. But the problem is that each of these causal explanations misses the richness of the phenomena that Dick was trying to describe and also overlooks his unique means for describing them.

The fact is that after Dick experienced the events of what he came to call “2-3-74” (the events of February and March of that year), he devoted the rest of his life to trying to understand what had happened to him. For Dick, understanding meant writing. Suffering from what we might call “chronic hypergraphia,” between 2-3-74 and his death, Dick wrote more than 8,000 pages about his experience. He often wrote all night, producing 20 single-spaced, narrow-margined pages at a go, largely handwritten and littered with extraordinary diagrams and cryptic sketches.

The unfinished mountain of paper, assembled posthumously into some 91 folders, was called “Exegesis.” The fragments were assembled by Dick’s friend Paul Williams and then sat in his garage in Glen Ellen, Calif., for the next several years. A beautifully edited selection of these texts, with a golden fish on the cover, was finally published at the end of 2011, weighing in at a mighty 950 pages. But this is still just a fraction of the whole.

Dick writes, “My exegesis, then, is an attempt to understand my own understanding.” The book is the most extraordinary and extended act of self-interpretation, a seemingly endless thinking on the event of 2-3-74 that always seems to begin anew. Often dull, repetitive and given to bouts of massive paranoia, “Exegesis” also possesses many passages of genuine brilliance and is marked by an utter and utterly disarming sincerity. At times, as in the epigraph above, Dick falls into melancholic dejection and despair. But at other moments, like some latter day Simon Magus, he is possessed of a manic swelling-up of the ego to unify with the divine: “I was in the mind of God.”

In order to understand what happened to him on 2-3-74, Dick used the resources that he had at hand and that he liked best. These were a complete set of the 15th edition of Encyclopedia Britannica that Dick purchased late in 1974 and Paul Edwards’s arguably unsurpassed “Encyclopedia of Philosophy,” published in eight handsome volumes in 1967, one of the richest and most capacious philosophical documents ever produced. Dick’s reading was haphazard and eclectic. Encyclopedias permitted an admittedly untutored rapidity of association that lent a certain formal and systematic coherence to his wide-ranging obsessions. 

Skimming through and across multiple encyclopedia entries, Dick found links and correspondences of ideas everywhere. He also stumbled into the primary texts of a number of philosophers and theologians — notably the pre-Socratics, Plato, Meister Eckhart, Spinoza, Hegel, Schopenhauer, Marx, Whitehead, Heidegger and Hans Jonas. His interpretations are sometimes quite bizarre but often compelling.

This leads me to an important point. Dick was a consummate autodidact. He survived for less than one semester at college, at the University of California, Berkeley, in 1949, taking and quitting Philosophy 10A in the space of a few weeks. Dick left the class in disgust at the ignorance and intolerance of his instructor when he asked his professor about the plausibility of Plato’s metaphysical theory of the forms — the truth of which was later proven for Dick by the experience of 2-3-74. Dick was evidently not trained as a philosopher or theologian — although I abhor that verb “trained,” which makes academics sound like domestic pets. Dick was an amateur philosopher or, to borrow a phrase from one of the editors of “Exegesis,” Erik Davis, he was that most splendid of things: a garage philosopher.

What Dick lacks in academic and scholarly rigor, he more than makes up for in powers of imagination and rich lateral, cumulative association. If he had known more, it might have led him to produce less interesting chains of ideas. In a later remark in “Exegesis,” Dick writes, “I am a fictionalizing philosopher, not a novelist.” He interestingly goes on to add, “The core of my writing is not art but truth.” We seem to be facing an apparent paradox, where the concern with truth, the classical goal of the philosopher, is not judged to be in opposition to fiction, but itself a work a fiction. Dick saw his fiction writing as the creative attempt to describe what he discerned as the true reality. He adds, “I am basically analytical, not creative; my writing is simply a creative way of handling analysis.”

Parte II: Future Gnostic
Parte III: Adventures in The Dream Factory

Reseña: Wanted | 100% Street Cred Exhibition

Por Gerardo Cloquell [ESCO]*

El 15 de marzo del 2012 tuve el placer de estar en la importante galería Obra Alegría, cubriendo Wanted: 100% Street Cred Exhibition – un evento sin precedentes en el arte puertorriqueño. Esta exhibición – curada por Charlotte Dutoit – contó con piezas de artistas urbanos (del patio e internacionales). La Pandilla, Nepo, Fisu, Cloquell, Bousquet, Ana María, entre otros, poblaron las paredes de Obra Alegría con la misma naturalidad de un Campeche o un Tufiño. [Para continuar leyendo el escrito en Pernicious Press, haga click aquí.]

*Fotografía por Emmanuel Ayala.

Un Panteón Macabro en La Respuesta: Homenaje, Nostalgia y Gozadera

Panteón Macabro* (La Respuesta, 19 de junio del 2011)

Un Panteón Macabro, en La Respuesta, provocó el lleno total con un pastiche posmoderno, un desfile sartorial y de tendencias estilísticas, dominado por quevedos pastosos y fedoras pajosas. Y es que lo ecléctico, lo contemporáneo y el nostálgico homenaje, constituyen el hipotexto del concierto – un refrescante bálsamo contra la sacarina normatividad que vomitan los medios de comunicación masiva. El jovial sonido de Macabeo y la legendaria elegancia de la Zodiac, se juntaron en un evento musical sin precedentes; posible, solamente, en el contexto santurcino contemporáneo. Dicho junte hubiese desembocado en un anatema musical en las décadas de los setenta y ochenta. Sin embargo, el 18 de junio, una nueva generación de híbridos entusiastas insulares – ¿post-cocolos / neo-cocolos? – bailaron la danza macabra de Macabeo, y gozaron del zodiacal y loiceño sonido de La Zodiac. [Para continuar leyendo la reseña, favor hacer click aquí. El escrito es una de varias colaboraciones que he hecho con la nueva revista digital Pernicious Press**.]

Notas:
*Tomada por Miguel Adrover Lausell
**Pernicious Press en Facebook

Soy un fanboy de Herzog, #YQCP

Afiche hecho por Jay Ryan - vía Mondo.

“Still, Lord, I took a dangerous voyage;

To see a beryl intaglio of your image;

Lord, make my face, buried in my hands;

Leave there its agonizing mask”.

- Blaise Cendrars

Aguirre, The Wrath of God es cine hecho con una cámara de 35mm que fue robada; debe ser el más sagrado tótem de cualquier fanboy herzogiano. Aunque, Herzog prefiere decir que fue expropiada puesto que era de la Munich Film School. El director alemán en la sección de comentarios en el DVD dice: “I had a natural right for a camera, a tool to work with.” [1] [Para continuar leyendo la reseña en la edición especial de Cruce Deus ex cinema, haga click aquí.]